Sind wir nur Schmarotzer?

Von Max Rosenthal

„Eigentlich können mir aber doch Aesthetiker, Recensenten, und wie sie alle heißen, gestohlen werden, sie sind zu faul und leben von Andrer Glück, könnten selbst doch Handwerker geworden sein, und wenigstens ordentliche Tische machen.“ – Felix Mendelssohn Bartholdy

Wenn man über Komponisten seine Doktorarbeit schreibt, fängt man irgendwann auch an, sich mit der Person auseinanderzusetzen, die hinter den Werken steht. Da sitze ich also, Schreiberling und Doktorand, und stolpere – im Sitzen – über diese Aussage Felix Mendelssohn Bartholdys. Sicherlich hätte man es, wie eine der zahlreichen überlieferten fragwürdigen Aussagen historischer Personen, einfach abhaken können. Aber was Felix sagt, nehme ich mittlerweile ernst und denke darüber nach. Hat er Recht? Sind Menschen, die über Musik und Musikbetrieb schreiben, Parasiten der schaffenden Künstler?

Über andere urteilen, um damit seinen Lebensunterhalt zu verdienen

Der Gedanke hat einen gewissen Reiz: Denn wer rezensiert, urteilt über andere, um damit seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Und das in den allermeisten Fällen, ohne selbst das „Handwerk“ der Musik gelernt zu haben, zumindest nicht so, wie diejenigen, die beurteilt werden. So gesehen ist es wahr. Wir sind demnach von denjenigen abhängig, die sich jahrelang damit abmühen, ein Instrument zu perfektionieren, sich gegen die Konkurrenz durchzusetzen und es auf Bühnen zu schaffen, die groß genug sind, damit jemand es für nötig hält, darüber zu berichten. Und dann der entscheidende Moment, in dem wir von unserem gepolsterten Logenplatz herabschauend befinden: nicht gut. Zur falschen Zeit im falschen Medium kann damit die gesamte, lange aufgebaute Karriere nachhaltig ruiniert sein. Und wieso? Weil wir ein paar Euro brauchten, um über die nächste Woche zu kommen. Keine Künstler, keine Kohle.

Mit der Argumentation muss man sich Stück für Stück auseinandersetzen, will man sein berufliches Selbstverständnis zurückgewinnen. Erstens und vorweg ist das Schreiben natürlich auch ein Handwerk, aber weil es fast jeder lernt sind die Grenzen zwischen Können und Nicht-Können sehr viel fließender als beim Musizieren.

Qualifizierte Zweitmeinung

Zweitens erfüllt auch das schreibende Volk eine Funktion im Kulturbetrieb. Nicht ohne Grund hat sich das Berufsbild des Musikjournalisten erst richtig herausgebildet um die Wende zum 19. Jahrhundert, als das Bürgertum langsam erstarkte und mehr teilhaben wollte an dem, was vorher Elitenkultur war. Indem wir schreiben, erfüllen wir ein Bedürfnis nach Information und Vermittlung, und auch nach einer geschulten Einschätzung dessen, was gesehen und gehört wurde. Denn dafür studieren wir ja in den meisten Fällen Musikwissenschaft oder Ähnliches.

Zugleich fungieren wir, drittens, als Regulationsinstrument. Wir liefern Zweitmeinungen, die unabhängig und vielleicht verschieden sind von denen der Verlage, der Labels, der Künstler und der Zuhörer selbst. Und was gefällt, erhält außerdem Publicity, was nicht gefällt, fällt durch. Beförderung des Survival of the Fittest im riesigen Kultursumpf. Andererseits: Wer sind wir, dass wir natürliche Selektion spielen dürfen? Wer hat uns das erlaubt?

Der Ausweg aus dem Dilemma?

Und so kommt man leider wieder zurück zum moralischen Grundproblem. Dass wir als Schreibende von den Künstlern, und manchmal auf ihre Kosten, im wörtlichen Sinne „profitieren“, lässt sich nicht leugnen. Auch wenn das durch gewisse Aufgaben seine Berechtigung hat, bleibt das Dilemma. Einen Ausweg kann man da wohl nur für sich selbst finden, und zwar durch gewissenhafte, informierte, gründlich recherchierte, respektvolle und vor allem nicht überhebliche Arbeit. Denn: Keine Künstler, keine Kohle.

© Engin_Akyurt/Pixabay

Vier Tage raus

Von Jonas Zerweck

Vergangene Woche fand in Brüssel die „European Week of Regions and Cities“ statt. Vier Tage lang Workshops, Networking und Austausch. Vertreter von EU-Förderprogrammen, von privaten Unternehmen und von den vielen Regionen und Städten Europas kamen dort zusammen. An diesen Tagen geht es seit fünfzehn Jahren jährlich um Zusammenarbeit und um Projekte auf kommunaler bis regionaler Ebene. Dass es nicht nur das europaweit größte Treffen von Vertretern der Regionen, sondern sogar weltweit ist, deutet ein wenig die Bedeutung dieser Zusammenkunft an.

Was hat das mit klassischer Musik zu tun? Nichts – nicht mal bei der Preisverleihung des „RegioStar“-Awards, der einzelne Projekte würdigt, wurde Musik gespielt. Doch die Tage in Brüssel haben mich auf eine völlig andere Art und Weise inspiriert, als es Musik kann, dem Gedankenfeld, auf dem ich mich täglich bewege, und das ist eine wertvolle Qualität. Direkte Projekte für die Menschen Europas in Bereichen wie Leben im Alter, Bildung, Umwelt und ähnliches sowie der spürbare Drang von mehreren Tausend Menschen enger zusammenarbeiten zu wollen, tragen ihre eigene Kraft. Solche Erlebnisse reißen den Alltag auf, und gleichzeitig heilen sie ihn, weil sie ihn bereichern. So nehme ich dann eben doch etwas für mein Feld der klassischen Musik mit: Ein Abend bei einem Brüsseler Freund in seiner internationalen WG wirft mal wieder die Europafrage auf – wie gelingt mehr Zusammenhalt und Zugehörigkeitsgefühl zwischen allen Menschen der Europäischen Union? Natürlich bleibt der Abend eine konkrete Antwort schuldig, doch ich muss an die Musik denken, unter den Künsten schließlich die emotionalste: Wenn es um ein fehlendes Gefühl bei den Menschen geht, welche Rolle kann Musik in diesem Prozess spielen? Und umgekehrt, liegt darin nicht auch eine Chance für sie?

© European Week of Cities and Regions

Die Kunst der Überforderung

Von Ricarda Natalie Baldauf

„Ich verstehe das alles nicht!“ Manch ein Besucher von Surrogate Cities/Götterdämmerung an der Wuppertaler Oper ist verärgert. In der Pause wird sich bei einem Glas Prosecco über eine rätselhafte Handlung und diese neuartige Musik von Heiner Goebbels ausgelassen.
Sein Werk von 1994 wird mit dem 3. Akt aus Richard Wagners Götterdämmerung in einen Topf geworfen. Das Bühnenbild ist dreiteilig, vorne und hinten sitzt das Orchester. In der Mitte eine Art Guckkasten, in dem gesungen und geschauspielert wird. Szenen ohne logischen Zusammenhang, so scheint es – und eine duschende Frau auf der Opernbühne, splitterfasernackt. Eine Kamerafrau verfolgt das Geschehen aus ihrem eigenen Blickwinkel, ihre Bilder werden auf eine Leinwand über der Bühne projiziert. All das überfordert.

Für mich sollte Kunst Fragen aufwerfen! In der Beschäftigung mit Musik habe ich diese Momente, in denen mich ihre Kraft schier überrollt, lieben gelernt. Sie kann mich mit Vertrautheit umschmeicheln, mir fremd sein oder abschreckend, meinen Kopf durchwühlen und mein Gefühl angreifen. Für mich ein Mysterium, dem ich nie ganz auf den Grund kommen werde. Und eines, das mich immer wieder mit mir selbst konfrontiert.

Eine Oper, die Wagnisse eingeht, Grenzen überschreitet, wird wohl immer auf Verärgerung stoßen. Sie macht ihr Publikum aber auch zu einem mündigen, das nicht völlig zufrieden aus der Oper spaziert. Wir sollten also nicht vor der Fremdartigkeit zurückzuschrecken, sondern sie willkommen heißen. Es lebe die Überforderung!

© Oper Wuppertal/Wil van Lersel

Wagner-Wahn(sinn?)

Die Top 5 der denkwürdigsten Ereignisse in und um den Wagner-Tempel

Von Ricarda Natalie Baldauf

Hojotoho! Einmal im Leben Bayreuther Festspielluft schnuppern: abgehakt. Bevor das Spektakel ganz offiziell anfing, mit rotem Teppich und allem Pipapo, bin ich nun endlich den Grünen Hügel hochgekraxelt, habe mich in Wagners Festspielhaus gezwängt und mir die öffentlichen Generalproben von „Die Walküre“, „Parsifal“ und „Siegfried“ zu Gemüte geführt. Was dabei im Gedächtnis blieb, waren weniger die Inszenierungen, sondern das denkwürdige Drumherum im und um das Festspielhaus:

5. Allerlei Getier
Nicht die zwei in einen Käfig gepferchten lebendigen Truthähne in Castorfs „Die Walküre“ oder die in lebensnahen Krokodilskostümen auf dem Boden herumkrauchenden Darsteller in seinem „Siegfried“. Gemeint ist eine (lebendige) Fledermaus, die es sich wohl während der Spielbetriebspause im Bühnenkonstrukt bequem gemacht hatte und nun, von Wagners Klängen angelockt, außerplanmäßig um das Bühnenbild herumflatterte.

4. Meisters Hundegräber
„Hier ruht und wacht Wagners Russ.“ Richard liebte seine Hunde. So sehr, dass eins der Tierchen direkt neben Herrchens Ruhestätte vor Villa Wahnfried begraben liegt, und ein paar Meter weiter auch der zweite Neufundländer, getauft Marke. Recherchen ergaben, dass Wagners treueste Anhänger zur Festspielzeit nicht nur frische Kränze auf sein Grab legen, sondern auch Hundi mit Kauknochen und Grußkarte gedenken: „Lieber Russ, bewache bitte weiterhin gut unseren Meister Richard.“

3. „Stühle“
Besonders gespannt war ich auf das Innere des Festspielhauses, um dessen Holz-Sitzgelegenheiten sich besonders viele Mythen ranken. Sind die tatsächlich so fürchterlich unbequem, wie Bayreuth-Kenner stets postulieren?
Oh ja! Mein Rücken hat noch immer mit den Spätfolgen zu kämpfen. Zwar wurden irgendwann einmal „Polster“ in die Stühle eingebaut, doch so hauchdünne, dass, in Kombination mit der undankbar geformten und steinharten Rückenlehne, auch die berüchtigten Bayreuther Sitzkissen nicht viel ausrichten können.

2. Wagners Verehrer
Wenn man groß ist, hat man verloren. Nicht nur, weil beim Bau des Festspielhauses anscheinend kein Platz für lange Gliedmaßen vorgesehen war, auch weil man dann unter Umständen dem eingefleischten Stammpublikum, ob der eingeschränkten Sicht auf das Bühnengeschehen, die Zornesröte ins Gesicht treibt. Wer also eine Reise zum Hügel plant und eine übergroße Statur besitzt, dem sei Obacht geraten.

1. Die Legende vom Mohren
Zwischen jedem Aufzug haben die Festspielbesucher eine ganze Stunde Zeit, ihre Glieder zu recken, zu strecken und am Prosecco zu nippen. Besten Speis und Trank gibt es aber nicht auf, sondern am Fuße des Grünen Hügels. Das „Mohren Bräu“ schaut auf eine lange Tradition zurück, geprägt durch die Legende vom Mohren, dort muss man für einen 0,2 l Wein keine 10,80 Euro hinblättern und wird außerdem vom lebensfrohen Wirt unterhalten, der nach dem Servieren von Schnitzel, Pommes und Wurstsalat, wenn der nächste Aufzug naht, glatt selbst den Gong schmettert.

Von Wissenschaft und Leidenschaft

von Max Rosenthal

An der Schwelle zum Erwachsenwerden bekam ich zwei sehr gegensätzliche Ratschläge. Nr.1: „Befasse dich beruflich mit etwas, das du liebst. Du hast sonst keine Zeit mehr dafür.“ Nr.2: „Du solltest beruflich nichts machen, das dir am Herzen liegt. Du verdirbst es dir dadurch.“

Ich bin Ratschlag 1 gefolgt. Ratschlag 2 hatte aber sicher auch seine Berechtigung. Diese Person hatte mit hoher Wahrscheinlichkeit persönliche Gründe und Erfahrungen, mir eine solche Empfehlung zu geben. Gelegentlich hallt sie noch heute nach und ich frage mich: Was ist eigentlich dran? Ich arbeite mit Musik, schreibe über sie und denke über sie nach. Was macht das mit der Leidenschaft?

Es fällt mir persönlich tatsächlich schwerer, mich in alltäglichen Zusammenhängen für Musik zu begeistern. Denn natürlich erhöht sich mit wachsendem Horizont der eigene Standpunkt: Der Anspruch wächst. Vieles von dem, was mein soziales Umfeld feiert, fällt für mich in die Schublade „trivial“. Nicht, dass mich nicht auch  ab und zu – vielleicht öfter, als ich zugeben sollte – eine Nummer packt, die eigentlich unter der Tür durchpasst. Aber oft tönt dann ein kritisches Stimmchen irgendwo in meinem Kopf, das mich daran erinnert, dass zumindest eine meiner beiden Hirnhälften weiß, dass ich das eigentlich nicht gut finden sollte. Wenn ich selbst Musik mache, lässt sich dieses Stimmchen übrigens nicht abstellen, ganz im Gegenteil. Nur noch sehr hohe Geldsummen könnten mich davon überzeugen, dass meine eigene Musik etwas ist, an dem die Öffentlichkeit teilhaben sollte.

Ich lasse Musik also nur noch in einer bestimmten Qualität zu. Aber auch in einer bestimmten Quantität. Früher war ich einer von denen, die Musik so sehr lieben, dass sie sie ständig auf den Ohren haben müssen. Durch die tägliche Arbeit habe ich eine Sättigung erreicht, dass ich „privat“ nur noch gezielt und eher selten Musik höre. Die Zeiten des über Kopfhörer eingespielten ganztägigen Privatsoundtracks sind vorbei.

Einen besonderen Effekt beobachte ich, wenn es darum geht, Musik mit anderen zu teilen. Je mehr ich über Musik schreibe, desto weniger möchte ich andere privat mit meinen Ansichten konfrontieren. Früher stundenlang geführte Diskussionen über Lieblingsmusiken und -künstler versuche ich heute zu umschiffen. Und wenn mich Menschen in Gesellschaft bitten, „mal Musik anzumachen“, gebe ich die Aufgabe üblicherweise an den Nächstbesten weiter. Vor zehn Jahren hätte ich die Gelegenheit beim Schopfe ergriffen, mir die Missionarsrobe übergeworfen und gehofft, aus der Veranstaltung eine Gemeinde gleichbegeisterter Schäfchen zu machen. Musik als geteilte Ekstase. Heute dominiert dagegen eine Art gelassener Pantheismus. Soll doch jeder das toll finden, was er oder sie will, Schönheit liegt überall und vor allem im Auge des Betrachters. Bevor ich andere mit meinen Vorlieben quäle, überlasse ich diesen Bärendienst gerne anderen. Mir selbst ist ohnehin egal, was gerade im Hintergrund dudelt.

Das ist symptomatisch für den Wandel, den das Arbeiten mit Musik gebracht hat. Verdorben hat es mir gar nichts, aber es hat Musik zu einem privateren, exklusiveren Teil meines Lebens gemacht, vielleicht auch um Berufliches und Privates zu trennen. Damit Musik noch einen besonderen Stellenwert haben kann, muss ich ihr eine besondere Position einräumen. Eigentlich hat sie dadurch aber sogar noch an Bedeutung gewonnen. Ich bin sehr froh, auf Ratschlag 1 gehört zu haben.

©Pexels/Pixabay

#elphiselfie

von Hannah Schmidt

Kaum ist der Saal eröffnet, ist jedes Konzert in der Elbphilharmonie für die nächsten zwei Jahre ausverkauft. Dem Öffentlichkeitszuständigen muss sehr langweilig sein. Bei der Anfrage nach Pressekarten für Mahlers Zweite Sinfonie im Februar 2017 hieß es, das Kontingent für die Aufführungen sei komplett erschöpft, es gäbe maximal Karten für die Generalprobe. Als die Probe dann, weil es für das Orchester so gut lief, kurzfristig abgesagt wurde, bekamen  wir aber doch noch Karten für ein Konzert – am Sonntagmorgen um 11 Uhr. Was für ein Privileg! Wir haben direkt die Kamera eingesteckt, sind nach Hamburg gefahren und haben vor dem Konzert eine Menge Elphiselfies gemacht – wer weiß, wann man noch einmal dorthin kommt.

Wie ein Kreuzfahrtschiff

Von weitem sticht die Philharmonie über die meisten Gebäude der Stadt heraus: Sie überragt wie ein gigantisches Kreuzfahrtschiff das meiste, was in Hamburg noch so in der Gegend herumsteht. Dabei wirkt sie vom Land aus betrachtet erstaunlich eingequetscht zwischen den Speicherstadtgebäuden, den Bürohochhäusern und Schiffsmasten. Geht man zu Fuß, scheint sie hinter jeder Ecke größer geworden zu sein – aber näher gekommen ist sie immer noch nicht.

#elphiselfie No. 1

Es stürmt und regnet, und Massen von Menschen laufen über die letzten zwei Brücken, über die sie dem architektonischen Monstrum näher kommen. Unten vor dem Eingang: Rentnerapokalypse. Es ist offenbar echt schwierig, die gekaufte Karte über das Lesegerät zu halten und dann durch das Drehkreuz zu gehen. Alle sind hektisch. Es ist voll. In der Luft liegt eine kreative, eine neugierige Anspannung. Und Meeresgeruch.

Interessant und gemütlich

Wohnzimmerkuschelstunde.
Wohnzimmerkuschelstunde.

So seltsam klein Hamburg wirkt in Anbetracht dieses riesigen Gebäudes, so eng und eingemuckelt die Philharmonie am Wasser steht, so interessant gemütlich und, ja, irgendwie wohnzimmerhaft ist es auch im Konzertsaal. Hamburg ist Elbphilharmonies Wohnzimmer, und die Elbphilharmonie ist das Wohnzimmer der Gäste. Es gibt sogar Kuschelsitze! Wie im Kino.

Schaut man sich um, wirkt es nicht, als wären 2000 Leute im Saal. Das Parkett ist klein gehalten, es sitzen immer ein paar Hundert Besucher in ihren „Waben“, die im Kreis um die Bühne herum aufgebaut sind. Es ist warm, das Licht dunkelgelb.

So nah wie nie zuvor

Elphiselfi No. 2
#elphiselfi No. 2

Als es losgeht, habe ich Kribbeln im Bauch. Wir sitzen recht weit vorne, etwas höher als das Parkett. Ich habe das Gefühl, so nah an den Musikern dran zu sein wie noch nie zuvor. Ich höre auch alles, sogar das Knicken der Seiten, wenn die zweite Cellistin leise umblättert, und als der Tubist vorsichtig seinen Dämpfer ablegt, fühle ich das sogar in den Füßen. Alles in diesem Saal vibriert. Der Klang ist durchsichtig, ich höre auch an lauteren Stellen die Harfe noch, die Pianissimo-Momente sind präsent und satt. Ich höre aber auch jeden Kratzer und jede Unsauberkeit. Aber das ist ja auch in Kammermusiksälen so. Wer akustisch und räumlich nah dran ist, bekommt eben viel mit.

Husterei wird nicht verstärkt

Was angenehm ist: Das Publikum hustet nicht in die leisen Stellen, aber wenn jemand im Publikum hustet, hallt das Geräusch nicht durch die Konzertakustik und die Raumarchitektur maximal verstärkt durch den ganzen Saal. Jedes Husten und jeder auch ausladende Nieser bleibt in der Wabe, aus der er kommt. Es stört nicht. Wie schön.

Aufwendig versteckt.
Aufwendig versteckt.

Als die Orgel einsetzt, drehen sich die Gäste, die zuvor noch nichtsahnend vor dem hinter silbernen Röhren versteckten Instrument saßen, verwundert um, tuscheln miteinander. Die Orgel klingt toll. Ist ja auch ein schönes Instrument. Aber sie klingt wie in Watte gepackt, nah, aber nicht zu gefährlich. Voluminös, aber nicht so, dass sie alles überdeckt. Nimmt der Organist die Finger von der Taste, ist im selben Augenblick der Klang weg. Das ist wie Luftanhalten und fühlt sich nicht so schön an.

Ziemlich unmittelbar

Bei dem Konzert war ich der Musik so nah, dass sie mich ziemlich unmittelbar angreifen konnte. Für mich, die ich sowas noch nicht erlebt hatte, keine leichte Situation. Nach der Sinfonie fühlte ich mich, als wäre ich gerade erst aufgewacht und hätte im Schlaf schlimm geweint.

Elphiselfie No. 3
#elphiselfie No. 3

Da ist es ziemlich Zurückinsjetzt, wenn man direkt ein paar Treppenstufen tiefer auf einen Balkon gehen kann, wo einem der Februar kalte Wintermeeresluft in die Haare pustet. Von da oben hat man auch nicht mehr das Gefühl, im Wohnzimmer Hamburg eingequetscht zu sein. Man thront darüber.

Wie naiv seid Ihr denn bitte?

von Thilo Braun

Es gibt eine Frage, die ich in Interviews immer wieder gerne stelle: „Klassik. Was ist das eigentlich?“ Und interessanterweise sind es ausgerechnet die Insider der Szene, die sich davon oft überrumpelt fühlen. Klassik? Naja, das ist ja ganz Vieles, allein die Geschichte, na und die Kunst der Komponisten, die Vielfalt an Genres und weiß Gott noch alles! Diesen Kosmos spontan zusammenfassen? Unmöglich.

Neueinsteiger, die erst beginnen, sich ins Repertoire einzuhören, tun sich da leichter. Oft erzählen sie einfach, was sie momentan begeistert, dass „Mozart so wahnsinnig viel geschrieben hat!“ oder „dass es da so spannende Geschichten hinter den Werken gibt“. Die Antworten selbst sind natürlich oft einfacher. Wer noch nicht viel gehört hat, muss keinen jahrelang gewachsenen Erfahrungsschatz managen, die Eindrücke sind frisch, aber weniger komplex.

Aber wieso eigentlich ist es mir und vielen Insidern der Szene so wichtig, dass Klassik in ihrer „Komplexität“ wahrgenommen wird? Vielleicht, weil man irgendwann meint zu wissen, was schon Cicero wusste, nämlich dass wir allgemein gesehen doch immer Unwissende bleiben? Angesichts der unendlichen Fülle der Musik wird jeder Versuch, sie in ihrer Gänze zu begreifen, zu einer Lächerlichkeit. „Klassik ist…“ – egal was nach diesem Satz kommt, es wird eine Vereinfachung darstellen. Was tun wir stattdessen? Eifrig studieren wir die Werke, brüten über musikwissenschaftlichen Quellen, versenken uns in Philosophien, Schriften, Theorien. Möglicherweise gelingt es uns ja so, dem Kern der Musik zumindest ein klitzekleines Stückchen näher zu kommen, hoffen wir.

Aber manchmal habe ich auch Angst. Davor, dass wir in solchem gut gemeinten Streben das Gleichgewicht verlieren. Dass wir die Wunder der Musik sezieren, noch bevor wir sie überhaupt zur Kenntnis genommen haben. Was, wenn wir unsere Neugierde verlieren? Die Entdeckerfreude? Wenn wir nicht mehr im Klang schwelgen, uns fesseln, verführen und verstören lassen?

In Fachkreisen wird überhaupt wenig von emotionalen Aspekten gesprochen. Sie scheinen, da subjektiv, irrelevant zu sein. Dabei sind es ja gerade diese Erlebnisse, die uns zur tieferen Beschäftigung mit dem Gegenstand „klassische Musik“ getrieben haben. Vielleicht müssen wir ab und zu mal den Kopf ausschalten. Und einfach nur zuhören. Diese Naivität wird der Musik nicht schaden, uns aber könnte sie guttun.

Foto: Playground by Seabamirum (CC)

„Das Lied“ – Eindrücke eines Wettbewerbs, Teil 3

Das Finale steht vor der Tür und ich hab immer noch nichts über Wettbewerber geschrieben. Aber hättet ihr meine Einschätzung von allen 26 Duos, ergo 52 Musikern lesen wollen? Ich auch nicht. Gestern hat also das große Aussieben eingesetzt, dem leider auch Harriet Burns und Ian Tindale – die größten Sympathieträger aller Teilnehmenden – zum Opfer gefallen sind. Schade, aber insofern verständlich, als dass Harriet gestern irgendwie ziemlich eng in den Höhen klang. Das war am Mittwoch noch nicht so. Weshalb die beiden für mich so wichtig waren, hat folgenden Grund: Ihre Interpretationen erschienen wundervoll nahbar. Zum einen liegt das an dem fantastischen Zusammenspiel, zum anderen an der Sensibilität der Performance.

Burns und Tindale, die sich in London eine WG teilen, liegt das Lied als Kunstform besonders am Herzen . „Manche Leute halten es für altmodisch, aber ich denke: Das ist es auf keinen Fall.“, erklärt Ian und rückt seine Brille vor den freundlich verschmitzten Augen zurecht. „Ob ich noch Solo-Programm mache? Oh nein, ich arbeite mehr als Korrepetitor!“ Er und Harriet gehören zu der Sorte Künstler, die ihre eigene Persönlichkeit mit auf die Bühne nehmen: sorgfältige Ausarbeitung von Phrasen, sehr viel Sensibilität für die Reaktionen des jeweils anderen und eine .. nunja, irgendwie typisch englische Respekthaltung vor der Sache selbst. Ians Art, leise zu spielen hat etwas sehr fürsorgliches – der Sängerin und den Stücken gegenüber. Naja, die Jury hat entschieden…

…und der Rest meiner Favoriten ist ja noch drin! Allesamt Baritone. Tatsächlich haben sich die männlichen Sänger prozentual besser durchsetzen können. Und ja, das ist auch begründet. Der übellaunigen Gesangsprofessor, der gestern neben mir saß, bestätigte mein Gefühl, dass es zum einen an interessanten Frauenstimmen gemangelt habe und zum anderen die Stücke schlecht ausgewählt wurden. Die jungen Damen hätten sich einfach charakterstärkere Stücke mit szenischerem Inhalt aussuchen und vortragen müssen. Dann hätten sie dem ein oder anderen Konkurrenten noch ein Schnippchen geschlagen.

Eine schöne, mehr oder weniger unerwartete Wahl fürs Finale ist die Mezzosopranistin Clara Osowski mit ihrem Begleiter Tyler Wottich. Die beiden sind irgendwie anders. Die fast Chanson-artige Erdigkeit in Osowskis Stimme gepaart mit der langsamen Kraft eines Golems, mit der Wottich seine schweren Finger in die Tastatur gräbt, haben irgendwie was für sich. Ihr Auftritt ist wie ein Naturschauspiel – von großer Selbstverständlichkeit geprägt, unbeirrbar und völlig authentisch. Die beiden dürfen jetzt beim Finale auch noch Frontschweine spielen. Ich drücke allen Beteiligten die Daumen und rate euch da draußen dringend, dieses Konzert nicht zu verpassen: http://www.das-lied.com/livestream

 

Konrad Bott

„Das Lied“ – Eindrücke eines Wettbewerbs, Teil 2

Jetzt sind die ersten Runden rum. 26 Duos haben Schumann-, Schubert- und Rihm-Interpretationen zum Besten gegeben, und ich bin wirklich sehr gespannt, ob ich morgen meine Favoriten nochmal erleben darf. Ich finde nämlich, dass ausnahmslos alle gut waren, nur einige eben noch besser. Das klingt fürchterlich pädagogisch, ist aber einfach so. Naja gut – in meinen Augen. Als ich nämlich gestern mit Juror Richard Stokes nach unserem Interview etwas verspätet wieder durch die schmalen Saaltüren geschlüpft war, musste ich neben einem alten Herrn Platz nehmen, der da ganz anderer Meinung war. Das musste er, dessen Name ich nicht kenne und auch nicht kennen mag, leider auch mitteilen und zwar immer, wenn gerade mal nicht gesungen wurde.

Ich habe nichts gegen mitteilungsbedürftige Menschen, aber der gute Mann hatte wohl einen Almanach der political incorrectness verschluckt. Die oberflächlichen, frauenfeindlichen Bemerkungen konnte ich noch ganz gut als Altherrenwitze abtun, aber als dann in Bezug auf den Belsazar-Text Heines auch noch Antisemitismus ins Spiel kam, hab ich ihm den Todesblick gegeben. War ganz passend … Mene mene tekel u-parsim … Aber bevor hier der Eindruck entsteht, ich könne alte Männer nicht leiden: Das Gespräch mit Richard Stokes war eine der schönsten Begegnungen mit unbekannten Menschen, die ich je gehabt habe. Als Sänger, Übersetzer verschiedenster Liedtexte und Professor an der Royal Academy of Music ist Stokes eines der ältesten Mitglieder der Jury. Könnte ich mir einen Opa adoptieren, um den Verstorbenen zu ersetzen, wäre er sofort genommen.

„Weißt du, manchmal ist ein komponierter Takt Pause das Wichtigste an einem ganzen Lied. Mit dieser Spannung umzugehen ist nicht einfach: Machst du sie zu kurz, kann sie sich nicht entfalten, machst du sie zu lang, ist es unglaubwürdige Selbstdarstellung“, erklärt der Juror und wechselt dabei ständig vom Englischen ins Deutsche. Ich hatte so viele Fragen auf meinem Zettel, aber wenn Stokes einmal ins Erzählen kommt, will man ihn einfach nicht mehr unterbrechen. „Das wäre eine sehr gute Sache“, antwortet er auf meine Frage, ob es für die Sänger nicht sinnvoll wäre, ein detailliertes Feedback von der Jury zu bekommen. „Und solche Wettbewerbe sind generell super, es sind ja auch viele Agenten hier, die ihre Ohren offen halten. Aber du solltest nicht bei einem Wettbewerb mitmachen, wenn du große Probleme damit hast zu verlieren. Es ist so vieles Geschmackssache hier. Viele Sänger, die bei sowas immer verloren haben, legten glänzende Karrieren hin und leider auch umgekehrt.“

Ein paar weitere Gedanken von Richard Stokes könnt ihr dann in meinem abschließenden Artikel lesen. Heute Nachmittag spreche ich endlich mal mit den jungen Menschen auf der Bühne über all das hier. Jetzt geht`s auch gleich weiter hier im Saal. Ihr wollt kontrollieren, ob sich meine Meinung über die Wettbewerber von der der Jury unterscheidet? Hier sind meine Favoriten:

Modestas Sedlevičius (Bariton) – Anna Anstett

André Baleiro (Bariton) – David Santos

Harriet Burns (Sopran) – Ian Tindale

Samuel Hasselhorn (Bariton) – Renate Rohlfing

Gina May Walter (Sopran) – Bangin Jung

… und hier seht ihr, wer tatsächlich weiter gekommen ist: http://www.das-lied.com/livestream/

 

Konrad Bott

„Das Lied“ – Eindrücke eines Wettbewerbs, Teil 1

„In der Oper kann dir viel vom Regisseur abgenommen werden – beim Lied übernimmt man die volle Verantwortung.“ Charlotte Lehmann stützt sich auf die Armlehnen des tiefen schwarzen Sessels im Theaterfoyer, um nicht völlig von dem Ungetüm verschluckt zu werden. Trotzdem flößt mir die kleine, einnehmend sympathische alte Dame gehörigen Respekt ein. Kein Wunder – rund um die Erde profitieren Sänger seit Jahrzehnten von ihren Meisterkursen. Als eine der wichtigsten Sängerinnen der Nachkriegszeit ist sie ein altes Juroren-Häschen und bewertet jetzt beim Wettbewerb „Das Lied“ die jungen Musiker. Der wird das erste mal in Heidelberg statt Berlin ausgetragen. Vier Tage, in denen sich Sänger und Pianisten um eine kompositorische Randgruppe – oder Königsdisziplin? – kümmern: das Kunstlied.

„Eines unserer konzentriertesten, subtilsten und gleichzeitig komplexesten Ausdrucksmittel“, sagt Charlotte Lehmann, und ich kann ihr da nur zustimmen. Keine musikalische Gattung ist so intim wie das Lied. Das liegt natürlich einmal daran, dass man singt, ganz klar. Das Musikinstrument bist du selbst, also lass die Hosen runter! Aber es gibt viele andere Aspekte, die Liedgestaltung für Sänger und Pianisten gleichermaßen spannend und wertvoll machen. Zum Beispiel, binnen Sekundenbruchteilen durch die Erzählperspektiven zu hüpfen, Rollen zu wechseln und dabei auch noch zu meinen, was man singt. Letzteres klingt banal, kann aber der Glaubwürdigkeit einer Interpretation sofort den Todesstoß versetzen.

Deshalb hält die Grande Dame der Juroren auch beim 14. Duo am ersten Tag die Augen wachsam offen. „Einem guten Sänger will man doch auch zusehen. Weil er den Ausdruck zu jeder Sekunde im Körper trägt. Sänger, die nicht frei sind mit ihren Gesichtszügen, die sind auch meist nicht frei im Ton.“ Ist es auch für Opernsänger wichtig, sich mal mit Liedgestaltung zu beschäftigen? „Oh ja, oh ja!“ Lehmanns Augen glänzen, und sie hüpft ein bisschen aus dem Sessel. „Die feinsten Schattierungen in der Stimme lassen sich nirgendwo besser trainieren. Außerdem muss man genau so intelligent wie musikalisch sein, um die Texte zu durchdringen.“ Um sich eine Rolle im Musiktheater anzueignen, ist das natürlich Gold wert.

Meine Kollegin Hannah hatte mit ihrem Bericht zum ARD-Wettbewerb so schön das Thema „Bewertung“ beleuchtet, dass ich mich entschlossen habe, darüber zu schweigen. Frau Lehmann sieht das ohnehin unproblematisch: „Hier sind das solche Bögen mit einzelnen Kriterien, die man dann bewerten kann. Diskutiert ist bis jetzt noch nicht worden, das wäre uferlos.“ Das stimmt. Wer sich die Duos anhört, kommt sich vor wie in einem akustischen Einkaufsparadies: alles so schön bunt hier! Nur ganz selten ist mal eine angestoßene Banane dabei, die man behutsam wieder zurück legt – mit der Delle nach hinten. „Die Leute, die hier ankommen, brauchen sich nicht sagen zu lassen, dass sie bestimmte Sachen anders machen sollten. Die sollen sich jetzt entfalten, und wir sehen, wer damit überzeugt!“ Vielleicht wäre ein Feedback ab und an aber doch ganz nett. Da frag ich morgen mal nach …

Für alle, die mal reinschauen möchten – gleich geht`s weiter: http://www.das-lied.com/livestream/