#elphiselfie

von Hannah Schmidt

Kaum ist der Saal eröffnet, ist jedes Konzert in der Elbphilharmonie für die nächsten zwei Jahre ausverkauft. Dem Öffentlichkeitszuständigen muss sehr langweilig sein. Bei der Anfrage nach Pressekarten für Mahlers Zweite Sinfonie im Februar 2017 hieß es, das Kontingent für die Aufführungen sei komplett erschöpft, es gäbe maximal Karten für die Generalprobe. Als die Probe dann, weil es für das Orchester so gut lief, kurzfristig abgesagt wurde, bekamen  wir aber doch noch Karten für ein Konzert – am Sonntagmorgen um 11 Uhr. Was für ein Privileg! Wir haben direkt die Kamera eingesteckt, sind nach Hamburg gefahren und haben vor dem Konzert eine Menge Elphiselfies gemacht – wer weiß, wann man noch einmal dorthin kommt.

Wie ein Kreuzfahrtschiff

Von weitem sticht die Philharmonie über die meisten Gebäude der Stadt heraus: Sie überragt wie ein gigantisches Kreuzfahrtschiff das meiste, was in Hamburg noch so in der Gegend herumsteht. Dabei wirkt sie vom Land aus betrachtet erstaunlich eingequetscht zwischen den Speicherstadtgebäuden, den Bürohochhäusern und Schiffsmasten. Geht man zu Fuß, scheint sie hinter jeder Ecke größer geworden zu sein – aber näher gekommen ist sie immer noch nicht.

#elphiselfie No. 1

Es stürmt und regnet, und Massen von Menschen laufen über die letzten zwei Brücken, über die sie dem architektonischen Monstrum näher kommen. Unten vor dem Eingang: Rentnerapokalypse. Es ist offenbar echt schwierig, die gekaufte Karte über das Lesegerät zu halten und dann durch das Drehkreuz zu gehen. Alle sind hektisch. Es ist voll. In der Luft liegt eine kreative, eine neugierige Anspannung. Und Meeresgeruch.

Interessant und gemütlich

Wohnzimmerkuschelstunde.
Wohnzimmerkuschelstunde.

So seltsam klein Hamburg wirkt in Anbetracht dieses riesigen Gebäudes, so eng und eingemuckelt die Philharmonie am Wasser steht, so interessant gemütlich und, ja, irgendwie wohnzimmerhaft ist es auch im Konzertsaal. Hamburg ist Elbphilharmonies Wohnzimmer, und die Elbphilharmonie ist das Wohnzimmer der Gäste. Es gibt sogar Kuschelsitze! Wie im Kino.

Schaut man sich um, wirkt es nicht, als wären 2000 Leute im Saal. Das Parkett ist klein gehalten, es sitzen immer ein paar Hundert Besucher in ihren „Waben“, die im Kreis um die Bühne herum aufgebaut sind. Es ist warm, das Licht dunkelgelb.

So nah wie nie zuvor

Elphiselfi No. 2
#elphiselfi No. 2

Als es losgeht, habe ich Kribbeln im Bauch. Wir sitzen recht weit vorne, etwas höher als das Parkett. Ich habe das Gefühl, so nah an den Musikern dran zu sein wie noch nie zuvor. Ich höre auch alles, sogar das Knicken der Seiten, wenn die zweite Cellistin leise umblättert, und als der Tubist vorsichtig seinen Dämpfer ablegt, fühle ich das sogar in den Füßen. Alles in diesem Saal vibriert. Der Klang ist durchsichtig, ich höre auch an lauteren Stellen die Harfe noch, die Pianissimo-Momente sind präsent und satt. Ich höre aber auch jeden Kratzer und jede Unsauberkeit. Aber das ist ja auch in Kammermusiksälen so. Wer akustisch und räumlich nah dran ist, bekommt eben viel mit.

Husterei wird nicht verstärkt

Was angenehm ist: Das Publikum hustet nicht in die leisen Stellen, aber wenn jemand im Publikum hustet, hallt das Geräusch nicht durch die Konzertakustik und die Raumarchitektur maximal verstärkt durch den ganzen Saal. Jedes Husten und jeder auch ausladende Nieser bleibt in der Wabe, aus der er kommt. Es stört nicht. Wie schön.

Aufwendig versteckt.
Aufwendig versteckt.

Als die Orgel einsetzt, drehen sich die Gäste, die zuvor noch nichtsahnend vor dem hinter silbernen Röhren versteckten Instrument saßen, verwundert um, tuscheln miteinander. Die Orgel klingt toll. Ist ja auch ein schönes Instrument. Aber sie klingt wie in Watte gepackt, nah, aber nicht zu gefährlich. Voluminös, aber nicht so, dass sie alles überdeckt. Nimmt der Organist die Finger von der Taste, ist im selben Augenblick der Klang weg. Das ist wie Luftanhalten und fühlt sich nicht so schön an.

Ziemlich unmittelbar

Bei dem Konzert war ich der Musik so nah, dass sie mich ziemlich unmittelbar angreifen konnte. Für mich, die ich sowas noch nicht erlebt hatte, keine leichte Situation. Nach der Sinfonie fühlte ich mich, als wäre ich gerade erst aufgewacht und hätte im Schlaf schlimm geweint.

Elphiselfie No. 3
#elphiselfie No. 3

Da ist es ziemlich Zurückinsjetzt, wenn man direkt ein paar Treppenstufen tiefer auf einen Balkon gehen kann, wo einem der Februar kalte Wintermeeresluft in die Haare pustet. Von da oben hat man auch nicht mehr das Gefühl, im Wohnzimmer Hamburg eingequetscht zu sein. Man thront darüber.

Schubertgruselhorror

von Hannah Schmidt

Schritte im Schnee.
Schritt Schritt Schritt Schritt. Pause.
Schritt Schritt. Pause.
Schritt Schritt Schritt. Pause.

Seltsam hohles Saitenklappern mischt sich rhythmisch unter die verstohlene Bewegung. Eine chromatische Bewegung schleicht irgendwo durch die tieferen Register der hohen Streicher, bevor sich die charakteristische fallende Melodielinie aus dem Vorspiel von Franz Schuberts Lied „Gute Nacht“ aus der „Winterreise“ über die unheimlichen Geräusche mischt. Bevor der einsame, vertriebene Wanderer seufzend zu Singen beginnt, sein „Fremd bin ich eingezogen, fremd zieh ich wieder aus“, gibt es in Hans Zenders „komponierter Interpretation“ noch so einige bizarre, schauderhafte Geräuschmomente, von Hundeknurren hin zu Knochenklappern …

Diese Art der „komponierten Interpretation“ ist eindrücklich. Sie lässt zwar manchmal keine große eigene Deutungsmöglichkeit mehr, weil sie doch sehr deutlich ist. Aber in einem Fall wie bei Schuberts „Winterreise“ ist diese inhaltliche Richtung, so düster sie auch sein mag, sehr erhellend. Vor ein paar Tagen habe ich Teile von Zenders interpretierender Orchestration gehört und habe mich unwahrscheinlich gegruselt.

Zwar geht es schon ein bisschen aus dem Text hervor, doch macht Zender es vor allem in dem oben angeführten Beispiel von „Gute Nacht“ bildlich: Der Wanderer, der Vertriebene, schleicht nachts im Schnee um das Haus seiner ehemals Geliebten. Das ist unheimlich. Er rekapituliert im Selbstgespräch ihre Geschichte, seine Hoffnungen, das plötzliche und für ihn unverständliche Ende ihrer Liebe. „Die Liebe liebt das Wandern, Gott hat sie so gemacht“ singt er zunächst wie aus Schuberts Vertonung bekannt auf die sich wiederholende Melodie, und schreit es im nächsten Moment grotesk verzerrt, begleitet von beißenden, hässlichen Klangfarben in die kalte Nacht (Brecht lässt grüßen). Spätestens hier ist jede übrig gebliebene Romantik des 19. Jahrhunderts verschwunden, spätestens hier bekommt man als Hörer eine eiskalte Gänsehaut.

Hören mit doppelten Ohren

Gerade zur Zeit, wo ich mich an der Uni intensiv mit der Schubert’schen Vertonung des Gedichtzyklus von Wilhelm Müller beschäftige, höre ich Hans Zenders „komponierte Interpretation“ mit sozusagen doppelten Ohren: Bei genauerem Hinhören und Analysieren stellt sich nämlich heraus, dass schon Schubert den Wanderer im Zyklus als, sagen wir, ein bisschen irre, als klinisch depressiv und mindestens mit dem Hang zu Lust am Leid nachzeichnet. Ja, der Text steckt schon voller Todessehnsucht, Schuberts Vertonung zusätzlich voll Depression und Getriebenheit – und Zenders Interpretation gibt dem ganzen noch einmal ein neues Gesicht: das der Unberechenbarkeit eines psychisch labilen und zutiefst verletzten Mannes, der nichts mehr zu verlieren hat.

Für mich bedeutete das beim ersten abendlichen Hören bei Stücken wie „Gute Nacht“ und dem „Leiermann“: Grusel pur. Schubertgruselhorror. Kein Müller’sches Abstraktum des Todes in Form eines „Leiermanns“, kein durch die Vertonung quasi sichtbarer alter Mann mit einer kaputten Leier, sondern ein halb verfaulter Zombie, der zuckend und mit verzerrtem Grinsen in einem schief hängenden Gesicht am Wegesrand auf den Wanderer wartet.

Wer die „Winterreise“ kennt, sollte unten auf jeden Fall „Play“ drücken. Wer sie nicht kennt, höre sie sich am besten erst einmal an, und danach Zenders Werk. Ich verspreche: Ihr werdet dieses musikalische Erlebnis nicht vergessen.

Das Berichten-wir-Dilemma

von Hannah Schmidt

Zwar schreibe ich hier als Musikjournalistin, doch trotzdem auch als Journalistin, die sich im Alltag auch mit anderen Dingen als Musik beschäftigt – weil ein Musik-Termin auch sehr schnell politisch werden kann. Vergangenen Freitag bin ich bei einem Probenbesuch in eine journalistische Schleife hineingeraten, die mich seitdem nicht mehr los lässt: Ich wollte zu einer Generalprobe in einer von Dortmunds Innenstadtkirchen, weil ich es zum Konzert am nächsten Tag nicht hätte schaffen können.

Kurz vor Beginn sagte man mir am Telefon, etwas sei komisch, alles voller Polizei, und ich solle durch den Sakristei-Eingang in die Kirche kommen. Drinnen angekommen saßen Chor und Orchester auf ihren Plätzen oder im Kirchraum verteilt, untätig, im hinteren Teil der Kirche Polizisten. Leute hätten sich auf dem Kirchturm verbarrikadiert und würden von oben rechte Parolen in die Fußgängerzone rufen, hieß es. Die Pfarrerin der Kirche hatte schon reagiert und die Glocken in Dauerbetrieb geschaltet – draußen hörte man nichts mehr. Proben im Inneren der Kirche war aber auch nicht möglich.

Reaktion eins, Reaktion zwei

Meine erste Reaktion: Ich rief in der Redaktion an. Ausnahmsweise war dort niemand mehr. Zweite Reaktion: Ich holte etwas zum Schreiben heraus und ging zu den Polizisten. Wenig später traf der für den Presse-Kontakt vor Ort zuständige Beamte ein, wir gingen nach draußen, er berichtete Geschehnisse und Details. Einer unserer Fotografen war auch schon da, lief herum und machte Fotos. Riesen Aufmerksamkeit. Als ich in die Kirche zurück wollte, ließ man mich nicht.

In mir fand ein kleiner Kampf statt: Fährst du in die Redaktion und schreibst es auf, bescherst dieser Propaganda-Aktion noch mehr Öffentlichkeit, als sie ohnehin schon hat – oder lässt du es bleiben und verschweigst damit etwas, was mehrere Tausend Leute kopfschüttelnd ohnehin beobachtet haben? Trotz aller Bedenken, die erste Stimme war stärker. Ich fuhr noch einmal zurück und schrieb auf, was der Presse-Zuständige mir vor Ort erzählt hatte. Neutral und knapp. Ich ordnete es weiter unten auf der Startseite an, teilte es nicht in sozialen Netzwerken. Im Laufe der Nacht sollte es immer weiter nach unten rutschen. Ein Kompromiss.

Pustekuchen.

Natürlich blieb es nicht dabei, Kollegen, Zeugen und auch die Rechten selbst suchten und fanden den Bericht und teilten ihn eigenständig. Andere Medien berichteten gleichfalls, boulevardesker, prominenter. Die Propagandisten frohlockten über das Medienecho, das sich bis zum nächsten Morgen und auch noch am nächsten und übernächsten Tag hielt und sich sogar überregional und international ausweitete. Ich wäre am liebsten im Boden versunken.

Zwar riefen und rufen die Berichte bei den Lesern zu fast 100 Prozent Empörung hervor, sie verurteilen die Aktion scharf. Andererseits weiß trotzdem fast jeder im Land, was am Freitagabend auf Dortmunds Kirchturm passiert ist. Was wäre schlimmer gewesen? Diese Situation, wie sie jetzt ist, zu der ich beigetragen habe – oder eine andere, das Nicht-Berichten oder nur kurz anreißen und sonst nichts weiter? Mittlerweile glaube ich, dass nicht so maßgeblich ist, wie ein einzelner Verlag handelt oder Stellung bezieht. Selbst der spätere Entschluss, den Text weiter auf eine dreisätzige Meldung zu verkürzen und mit einer Klausel („Wir berichten nicht ausführlicher Punkt“) zu versehen, hat das Lauffeuer nicht stoppen können. Was es gebracht hat: Die Redaktion hat sich positioniert, sie hat den Propagandisten den Kampf erklärt: „Egal, was ihr tut, wir bieten euch diese Öffentlichkeit nicht.“

Journalismus persönlich beleidigt?

Was da stattfindet, ist ein Kleinkrieg. Die Reaktion finde ich einerseits gut, andererseits hat sie auch etwas persönlich Beleidigtes. Was man aus dieser Meldung herauslesen kann ist: Gruppe X macht etwas, und das verurteilen wir. Im Fokus steht nicht mehr die journalistische Berichterstattung, sondern die politische Haltung der Redaktion. Aber soll das? Ist das sinnvoll? Was passiert, wenn Journalismus bei komplizierten Sachverhalten in erster Linie auf der Meta-Ebene seine Meinung darstellt, anstatt nach nachrichtlichen Kriterien – informativ – darüber berichtet?

Vielleicht wäre die kurze dreisätzige Meldung ohne den moralischen Nachklapp sogar noch besser gewesen. Nicht begründen, warum das keine ausführliche Geschichte wert ist, sondern die Sache einfach so behandeln. Vorleben statt erklären.

Ein Alternativvorschlag

Toll gefunden hätte ich im Nachhinein, glaube ich, diese Nachricht:

„Die Glocken der Innenstadtkirche haben am Freitagabend zwei Stunden ohne Pause geläutet. Der Grund dafür waren Rechtsextremisten, die sich im Turm verbarrikadiert hatten und von oben Parolen brüllten. Durch das Geläut waren sie unten nicht mehr zu hören. In einer gemeinsamen Aktion konnten Polizei und Feuerwehr die acht Männer und Frauen nach einer Stunde wieder aus der Kirche führen.“

Habt ihr eine Lösung?

Gedanken über Kürze und Würze und Musik

von Hannah Schmidt

Ich will zu viel Platz. Im Zug, in meiner Wohnung, beim Kofferpacken. Und beim Schreiben. 6000 Zeichen, heißt es, 400 Zeilen oder „zweispaltig blatthoch, mehr nicht“. Kamikazeartig ziehe ich auf eigene Faust Bildboxen auf der ungedruckten Seite unter oder über meinem Text kleiner, verkleinere Schriftarten, kürze Zwischenzeilen heraus, damit dieser eine Satz noch reinpasst, irgendwie.

Ich gehe in ein zweistündiges Konzert oder in eine vierstündige Oper und habe nachher 80 Zeilen für alles, was ich danach loswerden will. Ich spreche mit Dirigenten und Musikern über ihre ästhetischen Vorstellungen und kriege 6000 Zeichen. Das tut weh. Das Argument im Print kann ich noch verstehen: „Zu morgen haben wir neun Seiten und halbseitige Anzeigen auf der Eins, der Drei und der Vier.“ Es gibt ein festes Layout und mindestens zwei Themen pro Seite. Dazu Notizen und Meldungen. Ein „tragendes“ Bild muss auch drauf sein. Okay. Ich kann mir das vorstellen, weil man nachher die Zeitung in der Hand hält. Beim Halten werden irgendwann die Arme lahm. Es gibt rein physisch gesehen nur begrenzt Platz.

Platz für ganze Bücher

Online kann ich ganze Bücher auf einer Webseite darstellen. Mit Bildern und Videos und Audios und verrückten interaktiven Grafiken. Platz gibt es unendlich. Trotzdem begrenzt man sich. Das Argument hier: „Der Leser“, so heißt es, „verweilt“ nur durchschnittlich soundsolange auf einem Text. Was ist das denn für ein Ansatz? Wir produzieren immer kürzere und zerpflücktere Texte, immer mehr kurze Videos und Fotoslider, mit denen wir den Textfluss zerreißen, anstelle von Buchstaben, immer mehr Links und anklickbare Querverweise pro Satz – und messen natürlich eine immer kürzer werdende Aufmerksamkeit bei „dem Leser“.

Das ist ein bisschen wie die Frage nach dem Huhn und dem Ei – aber ich vermute, der „Kürze und Würze“-Wahn trägt zu dem immer unaufmerksameren Leseverhalten bei. Ja, es ist fordernd, einen langen Text zu lesen, es ist auch anstrengend, ein dickes und schweres Buch zu lesen oder sich eine Sinfonie oder den ganzen „Ring“ anzuhören und anzusehen. Wer hat noch nie in der Oper geschnauft und heimlich auf die Uhr geguckt? Das sind Längen, die aber Musik als Zeit-Kunst und Text als Zeit-Gattung mit sich bringen. Längen, für die aber „der Leser“ keine Zeit mehr hat. Und Längen, die wir von „dem Leser“ nicht mehr fordern – oder nur in Ausnahmefällen.

Wer oder was ist „der Leser“?

Ich habe den Begriff „der Leser“ hier immer in Anführungsstriche gesetzt. Weil ich glaube, dass es „den Leser“ nicht gibt. Ich würde gerne noch diesen einen Satz oder diesen zusätzlichen Absatz im Text lassen, für den Leser nämlich, der ihn trotzdem liest. Das ist idealistisch. Aber ich möchte nicht einer negativen Entwicklung in der Leser-Welt noch Feuer geben, indem ich mich ihr füge.

Was natürlich nicht heißt, dass nicht viele Texte, die ich in die Welt verbreiten wollte, dadurch sogar gewonnen haben, dass sie gekürzt wurden. Und sicherlich ist die Reduzierung eines Textes um einen oder zwei Gedanken den zusätzlichen Leser wert, der bis zum Ende dabeibleibt. Doch bis sich in mir irgendwann nichts mehr sträuben wird gegen das Credo „Wir müssen uns den Gewohnheiten der Leser anpassen“, wird noch viel Zeit vergehen, glaube ich, viel Erfahrung passieren, viel gekürzt werden und ja – das wird anstrengend.

 

 

Musik für die Stadionmasse

von Hannah Schmidt

Vor einigen Wochen bin ich aus meinem zweiwöchigen Süditalienurlaub wiedergekommen. Ich habe am Strand gelegen und Pizza gegessen und Wein getrunken, und ich habe viel gelesen und Italienisch geredet und abends in unserer Stamm-Bar Livemusik gehört. Der Besitzer, Adriano, ist ein super Typ. Am allerersten Abend war er nicht da, am zweiten Abend auch nicht. „Ich habe einen Weltrekord aufgestellt“, hat er dann am dritten Abend erzählt, mich mit rein genommen und mir ein wirklich wahnwitziges Video gezeigt:

Da stehen gefühlt zweitausend Menschen auf dem Spielfeld eines Stadions, und sie haben Musikinstrumente. Schlagzeug, E-Gitarre, Bass, Keyboards, auch Geigen sind dabei, und Mikrofone. „Rockin’1000“ heißt das Projekt, das der „Steve Jobs von Rimini“, Fabio Zafagnini, in dem kleinen Ort Cesena auf die Beine gestellt hat: Rockbands aus ganz Italien und auch anderen Ländern der Welt, die zusammen Rock-Klassiker spielen, von den White Stripes bis zu den Foo Fighters, mit Klick im Ohr und unter dem Dirigat von Marco Sabiu, einer Art David Garrett unter den Dirigenten, vielleicht. („In Italien kennt den jeder“, meinte Adriano, als ich nochmal nachfragte.)

In Deutschland ist es Chormusik

Ein ziemlich cooles Projekt, auf jeden Fall. Ich staune noch immer über diese Aufnahmen. Nach und nach fiel mir aber auf, dass es diese großdimensionalen Musikprojekte auch in Deutschland gibt – dann ist es aber Chormusik, die in großem Stil aufgeführt wird. Das heißt dann „Weltgrößtes Chorkonzert“ beim „Day of Song“ 2010 mit 60.000 Chorsängern oder „Weite wirkt“-Festival in Halle Westfalen 2016, wo etwa 1000 Sänger ein Stadion mit ihren Stimmen füllten. Was passiert da, in diesen Momenten? Es scheint wie eine Art Umkehr zu sein: Das Konzert als Format wird aufgebrochen.

Jetzt steht nicht mehr ein einzelner von einer Masse umjubelter Künstler auf einer Bühne, sondern es steht eine Masse an Laien-, Hobby- und bestimmt auch unbekannteren Profi-Musikern auf einem Stadion-Spielfeld und wird von einer Masse von Gleichgesinnten bejubelt. Jeder ist Künstler, jeder ist Schaffender in diesem Moment, und das mit einer Muskelkraft, die kein Solokünstler der Welt aufbringen kann. Das Konzert als Künstler-Darstellungs-Format wird auf den Boden geholt, es wird „common“, allgemein, zu einer Besonderheit auf andere Art.

Foo Fighters nach Italien geholt

Die Sache in Cesena hat eine Tradition: Im Jahr 2015 überzeugten über 1000 Musiker die Foo Fighters, zu einem Konzert nach Cesena zu kommen, indem sie auf einer Wiese deren Song „Learn to fly“ spielten. Die Reaktion: obwohl auf ihrer Welttournee kein Stop in Italien vorgesehen war, spielten die Foo Fighters sowohl in Cesena als auch in Mailand.


Hier die Antwort des Foo-Fighters-Gründers, der in gebrochenem Italienisch seine Begeisterung über das Video aus dem Jahr 2015 ausdrückt und sagt: „Stiamo arrivando“ – „Wir kommen.“


Man kann jetzt anfangen zu fragen, ob das der Musik denn überhaupt gut tut, „nur“ laut und mega zu sein, „nur“ von einer Masse irgendwie gemacht zu werden, mit dem Ziel, Wirkung zu erzeugen – aber ganz ehrlich: Die Fragen möchte ich diesen Videos und dieser Idee nicht überstülpen. Denn da geht es nicht um die Musik als philosophischen Gegenstand, als etwas, vor dem man sich in Ehrfurcht verneigen muss, das man „richtig“ und „falsch“ machen kann. Sondern es geht ums Machen und Erleben, und zwar ohne falsche Maßstäbe, die dem ganzen nicht gut tun würden. Das ist eine so erfrischende Haltung, die ich mir auch für manche Konzerte mit „klassischer“ Musik wünschen würde.

Wieso nicht mal 1000 Laienmusiker auf ein Spielfeld stellen, mit einem einer entsprechenden Interpretation folgendem, extra erstellten Klick oder zumindest Videoübertragung des Dirigats in jeder Reihe und irgendeinem Dirigenten, die Beethovens 9. Sinfonie spielen und singen? Genug Zeit zum Proben muss es vorher geben, klar, jeder, der dahin geht, sollte seine Stimme spielen können – aber das ist ja in Cesena nicht anders gewesen. Das wäre laut und mega und eine ganz besondere Interpretation, vielleicht nicht musikalisch tief bewegend oder schön, aber ein Ruf, den „klassische“ Musik auf jeden Fall mal wagen könnte. Und ein Konzert, das der gute Beethoven selbst wohl bis unter die Erde hören würde.

Ich spinne? Vielleicht – aber ich bin dennoch offenbar nicht die Einzige, die diese Idee hatte, wie ich durch die Hilfe einer Niusic-Mitautorin erfahren durfte. Genau das, Beethovens 9. Sinfonie im Megaformat, findet bereits statt, und zwar in Japan. Lasst euch überwältigen von diesem Götterfunkensturm:

 

Ein fragendes Akademie-Überbleibsel

von Hannah Schmidt

Es waren zwei Fragen, mit denen wir Mitte April in Heidelberg bei der Musikjournalisten-Akademie begrüßt wurden, in dem zwar kleinen aber prunkvoll eingerichteten Zimmer mit den hohen Decken und den goldgrünen Mustertapeten. Mit Blick auf den Neckar. Unausgeschlafen. Bei Filterkaffee und Kondensmilch: Was will Musikjournalismus eigentlich? Warum mache ich das alles hier? Stille.

Ich muss zugeben, dass ich die Fragen schon ein paar Tage vorher befürchtet hatte. Klar, man bewirbt sich für eine Musikjournalisten-Schreibschule, weil man Lust auf Musik hat, weil man für sich weiß, dass man über Musik schreiben und schreiben lernen will, weil man erfahren will, was noch alles gehen kann innerhalb dieser übermütigen Kombination: Sprache über Musik, Worte über Wortloses, Buchstaben über Klänge. Und dann sitzt man in einer Runde von Leuten, die alle aus sehr ähnlichen Gründen nach Heidelberg gekommen sind, und wird gefragt: Warum macht ihr das alles eigentlich? Und: Warum glaubt ihr, dass es jemanden außer euch selbst interessieren sollte?

Antwort: unbefriedigend

Zwar haben wir alle irgendwas geantwortet, und die Antworten waren zum großen Teil sehr wahr. Dennoch: Die Frage und meine Antwort darauf haben mich unbefriedigt zurück gelassen. Für wen mache ich das alles eigentlich, CD-Besprechungen, Künstlerportraits, Ankündigungen, Konzertrezensionen? Ich möchte mich hiermit gerne ein zweites Mal an einer für mich schlüssigen Antwort versuchen.

Ja, ich schreibe für die Künstler, was für sie ein wichtiges Feedback sein kann. Ich schreibe für die Leute, die da waren, im Konzert, und die gerne so etwas wie eine „Wahrheit“ oder Bestätigung über das Gehörte erfahren möchten. Ich schreibe für die, die nicht da waren und sich ein Bild machen möchten von dem Abend. Und ich schreibe für mich selbst, die ich nicht länger sprachlos sein möchte, wenn es darum geht, Musik und ihre Wirkung auf mich zu beschreiben.

Aber warum braucht die Welt das? Warum soll man ihr beschreiben, was in einem selbst vorgeht? Warum soll man über vergangene Konzerte berichten, die nie, nie wieder in dieser Art und Weise stattfinden werden? Warum sich über einen einfallslosen Spielplan echauffieren? Warum über schiefe Töne und so etwas Vages wie „fehlenden musikalischen Ausdruck“?

Versuch 1: der Rattenfänger

Unsere Akademie-Leiterin bot uns als ihre Antwort ein Bild aus einer Sage an: Sie sehe sich als Rattenfänger von Hameln – der Mensch, der Flöte spielt, und alle Kinder folgen ihm. Sie sagte, sie sehe es unter anderem als ihre Aufgabe, Menschen, die sich als „unmusikalisch“, unkultiviert oder sonst uninteressiert an „klassischer“ Musik empfinden und zeigen, dafür zu begeistern. Ihnen zu zeigen: Das hier ist wichtig. Es ist interessant. Es ist relevant. Es geht uns alle an. Die Kinder, die der Musik des Rattenfängers aus der Stadt folgen, sind die Menschen, die den Musikjournalisten aus der reinen Musik-Konsumentenhaltung heraus in ein Nachdenken über Musik folgen – oder so ähnlich.

Das war ein Bild, das mich nachdenklich gemacht hat. Es ist ambitioniert und ganz treffend – ein bisschen hinkt es, wie jeder gut gemeinte Vergleich –, aber es transportierte für mich zunächst eine Wertung, die mir nicht so gut gefiel: Es implizierte für mich das Urteil, Musik „unbedacht“ und ohne höhere Ambitionen zu „konsumieren“, sei nur die halbe Wahrheit und weniger wert als eine die Aufführung, den Apparat, das „Werk“ stets hinterfragende Haltung.

Und dass genau das unsere ganze Gruppe spaltete, zeigte sich in der Diskussion danach: Darf sich „Frau Meier von nebenan“ bei einem Beethoven-Konzert entspannen? Oder sollte sie, falls sie das vorhat, nicht lieber gleich zu Hause bleiben? Welche Haltung verlangt die Musik von ihren Hörern? Verlangt sie überhaupt eine Haltung, kann sie das überhaupt? Ist „klassische“ Musik etwas, das an mich Erwartungen stellt, denen ich gerecht werden muss, indem ich in der Pause schlaue Gespräche über die Intonation der ersten Geigen, das etwas zu spätromantische Dirigat oder den musikalischen Ausdruck des ersten Klarinettisten führe? Meine Meinung: Nein.

Versuch 2: Ansprüchen gerecht werden

„Klassische“ Musik oder auch jede andere Musik an sich stellt an ihre Hörer keine Ansprüche. Die Musik hat keinen Zeigefinger und keine herausfordernd hochgezogenen Augenbrauen, die meinen: „Bilde dich, dann bist du es wert, mich zu genießen!“ Auch nicht, wenn der Komponist es genau so gesagt haben sollte. Denn die Musik ist, sie wird, und sie geht zu Ende mit dem ausklingenden Applaus.

Ich selbst bin es jedoch, die anhand dieser Musik Ansprüche an mich stellt, denn die Musik und ihre Aufführung lösen etwas in mir aus, etwas, das ganz, ganz subjektiv ist und ganz, ganz subjektiv mit meinen persönlichen Erwartungen und Erfahrungen, meinem Wissen (meinetwegen analytischer Art und davon, was wir glauben über die „Intention“ des Komponisten zu wissen), meinem Charakter, meiner Denkart und meinen ästhetischen Vorstellungen zu hat. Jedes Reflektieren über ein Konzerterlebnis ist so immer auch ein Reflektieren über mich selbst und über meinen Blick auf die Welt und auf die Kunst.

Was spannend ist: Es passiert manchmal, dass Menschen im Konzert die gleichen Erfahrungen machen, mit ähnlichen Empfindungen den Saal verlassen und mit ähnlichen Worten darüber sprechen möchten. Das liegt nicht nur an der Musik, sondern auch daran, dass viele Menschen, die hier leben, sehr ähnlich sozialisiert sind. Solche Erfahrungen verbinden. Sie machen, dass wir uns als Teil einer Gemeinschaft fühlen, und betont sei hier der Wortteil gemein – denn sich in oder über etwas gemein sein kann sich erstrecken auf ganz viele Faktoren.

Versuch 3: Gemeinschaft des Nachdenkens über Musik

Was wir als Musikjournalisten oder der Mensch in der Sage als „Rattenfänger“ also am Ende tun, ist, eine Gemeinschaft des Nachdenkens über Musik zu schaffen. Um zu meiner befürchteten implizierten Kritik an Nicht-„Mitläufern“ dieser Gemeinschaft zurück zu kommen: Das bedeutet nicht, dass „Frau Meier von nebenan“ nicht Beethoven zur Entspannung hören kann und auch ausdrücklich darf. Beethovens Musik verliert dadurch nicht an Wert, ganz im Gegenteil: Sie beweist ihren Wert auf einer zusätzlichen Ebene, und das macht sie reicher.

Am Ende wird gerade „klassische“ Musik dadurch zu einer für mich so besonderen Musik: Weil sie sich dem Hörer von einer völlig neuen Seite präsentieren kann, wenn dieser anfängt, anders über sie nachzudenken. Es stecken nicht nur temporäres Ideengut und momentane Kreativität des Komponisten in der Musik, sondern gleichzeitig die durch unfassbar viele Faktoren beeinflusste Interpretation des oder der Musiker, dazu Intention, Handwerk und der Umgang mit Traditionen.

Es fließen in jeder Bach-, Beethoven-, Mahler-, Andriessen- und Nono-Aufführung Jahrhunderte von Kulturgeschichte und Menschheitsgeschichte ineinander, da steckt die Entwicklung von Ästhetik drin, von Hörgewohnheit und Sozialisation, darin stecken Persönlichkeit, viele, viele Gedanken und lange gelernte Fertigkeiten, da steckt Gesellschaft drin, Zeitgeschichte und Politik. Einen direkteren Draht zu unserer Entwicklung als Menschen, zu allem Gewesenen und allem, zu dem wir noch fähig sind, gibt es kaum. Und das geht uns alle an, jeden Einzelnen im Konzertsaal, der sich in diesem Moment befindet inmitten strömender und pulsierender Geschichte, die mit jeder Note und jeder Reaktion darauf reißend weitergetrieben wird. Und wir machen, dass die Welt davon erfährt.

Fazit: Teil der Kulturgeschichte

Ein bisschen sind wir also Chronisten im Dienste derer, die uns die immer wieder aufs Neue zu Musik werdenden Partituren hinterlassen haben, ein bisschen sind wir das kollektive Gehirn derer, die dabei waren und darüber nachdenken, und ein bisschen sind wir Galeristen, die den Künstlern durch Einordnung und Kommentierung neue Blicke auf das ermöglichen, was sie mitteilen wollten und mitgeteilt haben.

Wir verbinden alles zu einer Einheit und machen es zu einem möglichst greifbaren Element der Kulturgeschichte. Da sind auch der Vermerk auf ein für uns unbefriedigendes Konzert oder eine zu schmalzige CD-Aufnahme wichtig, genau wie die Darstellung des Lebens und der Ansichten des Solisten oder des zweiten Geigers, des Dirigenten oder Festspieldirektors, genau wie Werkbetrachtungen und Rezeptionsgeschichte, zu der wir unseren Teil beitragen,  indem wir die Welt an unseren Gedanken teilhaben lassen.

Und indem wir uns immer und immer wieder die Frage stellen, warum unsere Arbeit wichtig ist – und zuallererst warum sie uns wichtig ist.