Gedanken über Kürze und Würze und Musik

von Hannah Schmidt

Ich will zu viel Platz. Im Zug, in meiner Wohnung, beim Kofferpacken. Und beim Schreiben. 6000 Zeichen, heißt es, 400 Zeilen oder „zweispaltig blatthoch, mehr nicht“. Kamikazeartig ziehe ich auf eigene Faust Bildboxen auf der ungedruckten Seite unter oder über meinem Text kleiner, verkleinere Schriftarten, kürze Zwischenzeilen heraus, damit dieser eine Satz noch reinpasst, irgendwie.

Ich gehe in ein zweistündiges Konzert oder in eine vierstündige Oper und habe nachher 80 Zeilen für alles, was ich danach loswerden will. Ich spreche mit Dirigenten und Musikern über ihre ästhetischen Vorstellungen und kriege 6000 Zeichen. Das tut weh. Das Argument im Print kann ich noch verstehen: „Zu morgen haben wir neun Seiten und halbseitige Anzeigen auf der Eins, der Drei und der Vier.“ Es gibt ein festes Layout und mindestens zwei Themen pro Seite. Dazu Notizen und Meldungen. Ein „tragendes“ Bild muss auch drauf sein. Okay. Ich kann mir das vorstellen, weil man nachher die Zeitung in der Hand hält. Beim Halten werden irgendwann die Arme lahm. Es gibt rein physisch gesehen nur begrenzt Platz.

Platz für ganze Bücher

Online kann ich ganze Bücher auf einer Webseite darstellen. Mit Bildern und Videos und Audios und verrückten interaktiven Grafiken. Platz gibt es unendlich. Trotzdem begrenzt man sich. Das Argument hier: „Der Leser“, so heißt es, „verweilt“ nur durchschnittlich soundsolange auf einem Text. Was ist das denn für ein Ansatz? Wir produzieren immer kürzere und zerpflücktere Texte, immer mehr kurze Videos und Fotoslider, mit denen wir den Textfluss zerreißen, anstelle von Buchstaben, immer mehr Links und anklickbare Querverweise pro Satz – und messen natürlich eine immer kürzer werdende Aufmerksamkeit bei „dem Leser“.

Das ist ein bisschen wie die Frage nach dem Huhn und dem Ei – aber ich vermute, der „Kürze und Würze“-Wahn trägt zu dem immer unaufmerksameren Leseverhalten bei. Ja, es ist fordernd, einen langen Text zu lesen, es ist auch anstrengend, ein dickes und schweres Buch zu lesen oder sich eine Sinfonie oder den ganzen „Ring“ anzuhören und anzusehen. Wer hat noch nie in der Oper geschnauft und heimlich auf die Uhr geguckt? Das sind Längen, die aber Musik als Zeit-Kunst und Text als Zeit-Gattung mit sich bringen. Längen, für die aber „der Leser“ keine Zeit mehr hat. Und Längen, die wir von „dem Leser“ nicht mehr fordern – oder nur in Ausnahmefällen.

Wer oder was ist „der Leser“?

Ich habe den Begriff „der Leser“ hier immer in Anführungsstriche gesetzt. Weil ich glaube, dass es „den Leser“ nicht gibt. Ich würde gerne noch diesen einen Satz oder diesen zusätzlichen Absatz im Text lassen, für den Leser nämlich, der ihn trotzdem liest. Das ist idealistisch. Aber ich möchte nicht einer negativen Entwicklung in der Leser-Welt noch Feuer geben, indem ich mich ihr füge.

Was natürlich nicht heißt, dass nicht viele Texte, die ich in die Welt verbreiten wollte, dadurch sogar gewonnen haben, dass sie gekürzt wurden. Und sicherlich ist die Reduzierung eines Textes um einen oder zwei Gedanken den zusätzlichen Leser wert, der bis zum Ende dabeibleibt. Doch bis sich in mir irgendwann nichts mehr sträuben wird gegen das Credo „Wir müssen uns den Gewohnheiten der Leser anpassen“, wird noch viel Zeit vergehen, glaube ich, viel Erfahrung passieren, viel gekürzt werden und ja – das wird anstrengend.

 

 

Das Sommerloch

von Robert Colonius

Zur Sommerzeit kommt vieles zum Erliegen,
es fließt der Schweiß, es brennt die Luft, o Graus!
Manch einen zieht es in die Welt hinaus,
ein andrer muss sich mit Nichtstun begnügen.

Auch die Musik schweigt oft in dieser Zeit.
Wer übt schon gern, wer spielt schon schön und fein,
statt rauszugeh’n, ins kühle Nass hinein?
Kein Brahms, kein Bach, kein Bass, kein Gong bereit.

Kein Blau des Himmels, noch das Gelb der Sonne,
kein Strand und auch kein Meer sorgen für Wonne,
von nichts ertönt Musik, nicht die geringste.

Doch liegt das erste gelbe Blatt am Grunde,
weiß man sogleich nach diesem frohen Funde:
Jetzt kommt sie wieder, die Kunst aller Künste.

 

 

Gruppentherapie – 7 Dinge, die wir schon immer voneinander wissen wollten

1. Was war der skurrilste Moment, den du bei deiner Arbeit erlebt hast?

Thilo: Mein erster Termin in Dortmund. Bei der Zugabe setzt sich der gesamte Dortmunder Männergesangsverein BVB-Mützen auf und johlt Fahnen-wedelnd Booorussiaaaa durch den Saal – außer mir fand das aber seltsamerweise keiner skurril…

Hannah: Ich habe Peter Maffay interviewt – und er ging mir gerade mal bis zur Schulter.

Anna C.: Eine Sitznachbarin in einem langweiligen (Pardon Hannah!) Orgelkonzert beugte sich über meinen Notizblock und begann mit einem triumphierenden „Ha! Sie sind von der Presse!“ einen Monolog über ihr derzeitiges Kulturprojekt. Seitdem schreibe ich nur noch im Dunkeln mit, oder auf dem Klo.

Anna L.: Die Konzerte der umliegenden Gesangsvereine meines Heimatdorfes. Alle skurril.

Robert: Einmal wollte ich einen Pianisten noch vor einem Konzert interviewen. Ich kam in den Konzertsaal, wo er gerade übte. Die Bühne sah aus wie eine Studentenbude, überall lagen Sachen herum, darunter eine Ukulele und eine Kette…

2. Schonmal eine schlimme Schreibblockade gehabt? Was tust du in solchen Momenten?

Thilo: Verzweifeln. Dann spazieren gehen. Nachdenken, warum ich diese Beruf eigentlich liebe. Das Ergebnis liefert entweder frische Ideen – oder plustert die Verzweiflung auf zum unerreichbaren Ideal. Dann hilft nur: Durchbeißen.

Hannah: Ja, ständig immer mal wieder kleinere Schreibblockaden. Meist mache ich dann nicht viel außer immer wieder einen neuen potenziellen ersten Satz zu konstruieren. Wenn der richtige erste Satz steht, läuft der Rest oft einfach hinterher.

Anna C.: Verzweifeln. Dann einen Tee trinken. Nachdenken, warum ich diesen Beruf eigentlich mache. Fluchen. Irgendwas schreiben. Spontan Schlaf nachholen. Nervös aufwachen. So lange redigieren, bis die Sätze annähernd Sinn ergeben. Fluchen. Abschicken.

Anna L.: Ja! Aufhören und wenn es zeitlich geht, ein paar Stunden später oder am nächsten Tag weiterschreiben. Wenn es nicht geht: Der Horror! Dann wird’s ein unglücklicher Text.

Robert: Ich warte sehr lange, bis ich mit dem Schreiben anfange. Danach sprudelt es meistens nur so raus. Unter Stress schreibe ich besser. Wenn es dann nicht geht, verfalle ich in Floskeln.

3. Für wen schreibst du?

Thilo: Für den neugierigen Hörer – oder den, der es werden will. Für Streithähne. Für Betriebsblinde. Für mich.

Hannah: Viel für mich selbst, für Menschen, die sich ohnehin dafür interessieren, für die Musiker und Konzertbesucher, für den Interviewpartner, für alle, die zufällig auf der Seite landen, für alle, die das Thema eigentlich Scheiße finden.

Anna. C:. In der Grundidee eigentlich für die Musiker. Uneigentlich für mich, um die Gedanken zu sortieren und zu verarbeiten, in der wachsenden Hoffnung, dass die Musiker es nicht lesen. Im Redigat in dem Bewusstsein, dass sie es doch tun werden.

Anna L.: Für mich und für alle, die es interessiert. Noch besser: Der Leser interessiert sich jetzt für das Thema, weil ich darüber geschrieben habe.

Robert: Nach Stockhausen: „Ich schreibe für Jedermann, aber nicht um jeden Preis.“

4. Glaubst du, du kannst über Musik urteilen?

Thilo: Nein. Aber ich glaube, ich kann meinen rein subjektiven Eindruck argumentativ und sachgemäß vertreten. Niemand muss etwas mögen oder hassen, weil ich es tue. Wichtig ist mir allein, dass mein Standpunkt verstanden wird.

Hannah: Mir geht es wie Thilo. Ich kann höchstens versuchen zu erklären, warum mir etwas gefallen hat oder nicht. Wenn das gelingt, und Leser verstehen, was ich meine, habe ich mein Ziel erreicht.

Anna C.: Ja, auf jeden Fall, weil ich es sowieso mache. Ich versuche nicht zu verurteilen, aber auch das passiert schnell. Wen mein Urteil interessieren sollte/könnte, warum und ob es überhaupt irgendwo reingehört, das sind die schwierigeren Fragen.

Anna L.: Ich finde „urteilen“ klingt ein bisschen streng. Im Gericht werden Urteile gefällt. Ist „bewerten“ das bessere Wort? Da denke ich an Schulnoten. Eher kann ich beschreiben, wie ich die Musik empfinde und wahrnehme.

Robert: Über Interpreten sehr wohl. Über Musik? Wozu denn?

5. Wieviel Erfahrung brauchen Kritiker?

Thilo: Immer mehr als er hat und weniger als man meint.

Hannah: Die schönsten Besprechungen schreiben manchmal Leute, die ein Stück zum allerersten Mal hören und noch nicht versaut sind durch standardreproduzierten Kritikersprech.

Anna C.: Vielleicht vor allem viel Erfahrung, selbst kritisiert zu werden? Das wäre doch ein schönes Format – Musiker kritisieren Kritiker.

Anna L.: Je mehr Erfahrung, desto besser! Allerdings sollte man nach all den Konzerten und geschrieben Seiten irgendwie frisch im Kopf bleiben.

Robert: So viel wie möglich. Im besten Fall selbst Musik machen, um die Leiden der jungen Interpreten zu verstehen.

6. Willst du die Jugend erreichen? Wie?

Thilo: Ja. Aber nicht zwanghaft. Ich bin schließlich Teil der „Jugend“, warum sollten sich Gleichaltrige also nicht auch von meinen Gedanken angesprochen fühlen?

Hannah: Ich weiß immer nicht, was mit „die Jugend“ gemeint ist. Tatsächlich ist mir das Alter derjenigen, deren Interesse ich für ein Thema wecken kann, ziemlich egal.

Anna C.: Ich schwimme lieber im Silbersee, da freut man sich so über meine eigene Jugend. Aber über jugendliche Mitschwimmer freue ich mich auch.

Anna L.: Kommt darauf an, wer die Jugend ist. Sind es die pubertären Jungs, die mir heute im Zug den letzten Nerv geraubt haben, kann ich mich nur der Frage anschließen: Wie?

Robert: Die Jugend zu erreichen ist sehr schwer, wenn zuvor kein Kontakt mit (klassischer) Musik stattgefunden hat. Bei jüngeren Kindern ist das vermutlich einfacher. Es muss auch viel von den Eltern kommen.

7. Glaubst du, du kannst mit deiner Arbeit die Welt verbessern?

Thilo: Ja, definitiv. Was aber nicht heißt, dass sie das zwingend auch tut.

Hannah: Ich glaube, Journalismus kann zur Entstehung und Eskalation von Konflikten beitragen. Genauso glaube ich, dass Journalismus zum Frieden in der Welt beitragen kann. Kulturjournalismus, zu dem der Musikjournalismus zählt, spielt da eine genauso wichtige Rolle, wie Journalismus über Politik. Also: Ja. Ich glaube, meine Arbeit kann ein Beitrag zum Frieden und zum reflektierten Denken in dieser Welt sein.

Anna C.: Das finde ich zu dick aufgetragen, da gibt es einfachere Wege als Musikjournalismus. Bestimmt ist es irgendwie möglich, aber ich glaube, dass ein Großteil unserer Arbeit kaum bzw. keine einsehbaren Einfluss auf eine „bessere Welt“ hat.

Anna L.: Unsere Arbeit ist wichtig, keine Frage. Aber die Welt verbessern? I don’t know.

Robert: Musik ist etwas, das tief in der Sozialisation und damit im einzelnen Menschen verwurzelt ist. Und Musikjournalismus gehört zur Musik dazu wie das Musikmachen selbst. Daher lautet die Antwort für mich eindeutig ja.

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Musik für die Stadionmasse

von Hannah Schmidt

Vor einigen Wochen bin ich aus meinem zweiwöchigen Süditalienurlaub wiedergekommen. Ich habe am Strand gelegen und Pizza gegessen und Wein getrunken, und ich habe viel gelesen und Italienisch geredet und abends in unserer Stamm-Bar Livemusik gehört. Der Besitzer, Adriano, ist ein super Typ. Am allerersten Abend war er nicht da, am zweiten Abend auch nicht. „Ich habe einen Weltrekord aufgestellt“, hat er dann am dritten Abend erzählt, mich mit rein genommen und mir ein wirklich wahnwitziges Video gezeigt:

Da stehen gefühlt zweitausend Menschen auf dem Spielfeld eines Stadions, und sie haben Musikinstrumente. Schlagzeug, E-Gitarre, Bass, Keyboards, auch Geigen sind dabei, und Mikrofone. „Rockin’1000“ heißt das Projekt, das der „Steve Jobs von Rimini“, Fabio Zafagnini, in dem kleinen Ort Cesena auf die Beine gestellt hat: Rockbands aus ganz Italien und auch anderen Ländern der Welt, die zusammen Rock-Klassiker spielen, von den White Stripes bis zu den Foo Fighters, mit Klick im Ohr und unter dem Dirigat von Marco Sabiu, einer Art David Garrett unter den Dirigenten, vielleicht. („In Italien kennt den jeder“, meinte Adriano, als ich nochmal nachfragte.)

In Deutschland ist es Chormusik

Ein ziemlich cooles Projekt, auf jeden Fall. Ich staune noch immer über diese Aufnahmen. Nach und nach fiel mir aber auf, dass es diese großdimensionalen Musikprojekte auch in Deutschland gibt – dann ist es aber Chormusik, die in großem Stil aufgeführt wird. Das heißt dann „Weltgrößtes Chorkonzert“ beim „Day of Song“ 2010 mit 60.000 Chorsängern oder „Weite wirkt“-Festival in Halle Westfalen 2016, wo etwa 1000 Sänger ein Stadion mit ihren Stimmen füllten. Was passiert da, in diesen Momenten? Es scheint wie eine Art Umkehr zu sein: Das Konzert als Format wird aufgebrochen.

Jetzt steht nicht mehr ein einzelner von einer Masse umjubelter Künstler auf einer Bühne, sondern es steht eine Masse an Laien-, Hobby- und bestimmt auch unbekannteren Profi-Musikern auf einem Stadion-Spielfeld und wird von einer Masse von Gleichgesinnten bejubelt. Jeder ist Künstler, jeder ist Schaffender in diesem Moment, und das mit einer Muskelkraft, die kein Solokünstler der Welt aufbringen kann. Das Konzert als Künstler-Darstellungs-Format wird auf den Boden geholt, es wird „common“, allgemein, zu einer Besonderheit auf andere Art.

Foo Fighters nach Italien geholt

Die Sache in Cesena hat eine Tradition: Im Jahr 2015 überzeugten über 1000 Musiker die Foo Fighters, zu einem Konzert nach Cesena zu kommen, indem sie auf einer Wiese deren Song „Learn to fly“ spielten. Die Reaktion: obwohl auf ihrer Welttournee kein Stop in Italien vorgesehen war, spielten die Foo Fighters sowohl in Cesena als auch in Mailand.


Hier die Antwort des Foo-Fighters-Gründers, der in gebrochenem Italienisch seine Begeisterung über das Video aus dem Jahr 2015 ausdrückt und sagt: „Stiamo arrivando“ – „Wir kommen.“


Man kann jetzt anfangen zu fragen, ob das der Musik denn überhaupt gut tut, „nur“ laut und mega zu sein, „nur“ von einer Masse irgendwie gemacht zu werden, mit dem Ziel, Wirkung zu erzeugen – aber ganz ehrlich: Die Fragen möchte ich diesen Videos und dieser Idee nicht überstülpen. Denn da geht es nicht um die Musik als philosophischen Gegenstand, als etwas, vor dem man sich in Ehrfurcht verneigen muss, das man „richtig“ und „falsch“ machen kann. Sondern es geht ums Machen und Erleben, und zwar ohne falsche Maßstäbe, die dem ganzen nicht gut tun würden. Das ist eine so erfrischende Haltung, die ich mir auch für manche Konzerte mit „klassischer“ Musik wünschen würde.

Wieso nicht mal 1000 Laienmusiker auf ein Spielfeld stellen, mit einem einer entsprechenden Interpretation folgendem, extra erstellten Klick oder zumindest Videoübertragung des Dirigats in jeder Reihe und irgendeinem Dirigenten, die Beethovens 9. Sinfonie spielen und singen? Genug Zeit zum Proben muss es vorher geben, klar, jeder, der dahin geht, sollte seine Stimme spielen können – aber das ist ja in Cesena nicht anders gewesen. Das wäre laut und mega und eine ganz besondere Interpretation, vielleicht nicht musikalisch tief bewegend oder schön, aber ein Ruf, den „klassische“ Musik auf jeden Fall mal wagen könnte. Und ein Konzert, das der gute Beethoven selbst wohl bis unter die Erde hören würde.

Ich spinne? Vielleicht – aber ich bin dennoch offenbar nicht die Einzige, die diese Idee hatte, wie ich durch die Hilfe einer Niusic-Mitautorin erfahren durfte. Genau das, Beethovens 9. Sinfonie im Megaformat, findet bereits statt, und zwar in Japan. Lasst euch überwältigen von diesem Götterfunkensturm:

 

Götterfunken gesucht

von Thilo Braun

Sollte ich nicht eigentlich etwas Sinnvolles machen? Etwas Weltverbesserndes, Nützliches? Diese Frage hat sich hartnäckig in meinen Gedanken festgebissen. Während rings umher die Welt aus den Fugen gerät, Terror und Panik wuchern, beschäftige ich mich den Großteil meiner Zeit mit Vergangenem. Ich lese über Mozarts Leben in Wien, analysiere Schuberts Winterreise, erfreue mich an Ordnung und Wohlklang in Bachs Partita. Spannend ist das, klar. Aber braucht die Welt gerade nicht dringender gute Politiker und Aktivisten als klassische Musikjournalisten?

Oh, Freude schöner Götterfunken

Zunächst muss geklärt werden, warum es überhaupt sinnvoll sein soll, die Musik zur Grundlage eines Textes zu machen. Dahinter steckt die Annahme, es gebe weitere Ebenen zu ergründen neben dem reinen Hören, Botschaften zu entschlüsseln, Geheimnisse zu lüften. Und schon ist er wieder da, dieser Reflex, ihre zauberhafte Allmacht herbei zu zitieren. Wer, wenn nicht sie, könnte Kraft ihres Klangs die Welt verbrüdern? Oh, Freude schöner Götterfunken, wäre das schön. Doch der Glaube daran erscheint fragwürdig, Beethoven hat es nicht geschafft, die Welt besser zu komponieren, und auch in unserer heutigen Zeit wird zwar so viel musiziert wie nie, und doch steht es nicht gerade gut um den Frieden. Hat uns ein Märchen getäuscht?

Ich glaube nicht, dass eine im Konzert gespielte Beethoven-Sinfonie ihre Hörer unbedingt zu besseren Menschen macht. Und doch scheint es sie zu geben, Erweckungsmomente durch Musik, unzählige Berichte und Erzählungen bezeugen es, auch ich könnte davon zu berichten. Es stellt sich also weniger die Frage, ob Musik überhaupt Menschen verändern oder die Welt verbrüdern kann, sondern vielmehr, welche Bedingungen erfüllt sein müssen, damit das klappt.

Zwei Dinge erscheinen mir elementar. Erstens: Musik muss eine Sprache sprechen, die ich verstehe. Zweitens: Es muss Anknüpfungspunkte geben zwischen dem Kunstwerk und mir als Person. Das klingt banal. Dennoch ist es schockierend nachzuspüren, wie selten diese Kriterien tatsächlich erfüllt werden. Zur Sprache der Musik gehört wie im echten Leben unendlich viel mehr als ihr Vokabular: Noten, Harmonik und Form. Da wäre die Absicht des Komponisten, sowohl bewusster als auch unbewusster Natur, die Situation ihrer Entstehung, ihre Übersetzung durch die Interpreten, der Ort ihrer Äußerung. Missverständnisse lauern allerorten!

Fragen an die Verkünder der Wahrheit

Natürlich, Musik kann sich selbst vermitteln. Und doch liegt es in unserer Macht, möglichst günstige Voraussetzungen dafür zu schaffen. Welche Botschaft erzählen die Spielpläne unserer Konzertsäle? Wie wirken Werke im Zusammenhang? Werden die Aufführungsorte den Werken gerecht? Stimmen Interpretation und Aussage überein? Haben wir die Intention des Komponisten historisch erforscht und verstanden?

Ich verstehe es als unsere Aufgabe als Musikjournalisten, diese Fragen wieder und wieder zu stellen. Dem Musikbetrieb, dem Publikum und uns selbst. Nicht um die Wahrheit zu finden, sondern um ihre voreilige Verkündung zu vermeiden. Wir können die Welt dadurch nicht besser machen. Aber wir werden vielleicht im Nachdenken über unsere Ideale die Voraussetzung dafür schaffen, dass die Musik es kann.

 

Ein fragendes Akademie-Überbleibsel

von Hannah Schmidt

Es waren zwei Fragen, mit denen wir Mitte April in Heidelberg bei der Musikjournalisten-Akademie begrüßt wurden, in dem zwar kleinen aber prunkvoll eingerichteten Zimmer mit den hohen Decken und den goldgrünen Mustertapeten. Mit Blick auf den Neckar. Unausgeschlafen. Bei Filterkaffee und Kondensmilch: Was will Musikjournalismus eigentlich? Warum mache ich das alles hier? Stille.

Ich muss zugeben, dass ich die Fragen schon ein paar Tage vorher befürchtet hatte. Klar, man bewirbt sich für eine Musikjournalisten-Schreibschule, weil man Lust auf Musik hat, weil man für sich weiß, dass man über Musik schreiben und schreiben lernen will, weil man erfahren will, was noch alles gehen kann innerhalb dieser übermütigen Kombination: Sprache über Musik, Worte über Wortloses, Buchstaben über Klänge. Und dann sitzt man in einer Runde von Leuten, die alle aus sehr ähnlichen Gründen nach Heidelberg gekommen sind, und wird gefragt: Warum macht ihr das alles eigentlich? Und: Warum glaubt ihr, dass es jemanden außer euch selbst interessieren sollte?

Antwort: unbefriedigend

Zwar haben wir alle irgendwas geantwortet, und die Antworten waren zum großen Teil sehr wahr. Dennoch: Die Frage und meine Antwort darauf haben mich unbefriedigt zurück gelassen. Für wen mache ich das alles eigentlich, CD-Besprechungen, Künstlerportraits, Ankündigungen, Konzertrezensionen? Ich möchte mich hiermit gerne ein zweites Mal an einer für mich schlüssigen Antwort versuchen.

Ja, ich schreibe für die Künstler, was für sie ein wichtiges Feedback sein kann. Ich schreibe für die Leute, die da waren, im Konzert, und die gerne so etwas wie eine „Wahrheit“ oder Bestätigung über das Gehörte erfahren möchten. Ich schreibe für die, die nicht da waren und sich ein Bild machen möchten von dem Abend. Und ich schreibe für mich selbst, die ich nicht länger sprachlos sein möchte, wenn es darum geht, Musik und ihre Wirkung auf mich zu beschreiben.

Aber warum braucht die Welt das? Warum soll man ihr beschreiben, was in einem selbst vorgeht? Warum soll man über vergangene Konzerte berichten, die nie, nie wieder in dieser Art und Weise stattfinden werden? Warum sich über einen einfallslosen Spielplan echauffieren? Warum über schiefe Töne und so etwas Vages wie „fehlenden musikalischen Ausdruck“?

Versuch 1: der Rattenfänger

Unsere Akademie-Leiterin bot uns als ihre Antwort ein Bild aus einer Sage an: Sie sehe sich als Rattenfänger von Hameln – der Mensch, der Flöte spielt, und alle Kinder folgen ihm. Sie sagte, sie sehe es unter anderem als ihre Aufgabe, Menschen, die sich als „unmusikalisch“, unkultiviert oder sonst uninteressiert an „klassischer“ Musik empfinden und zeigen, dafür zu begeistern. Ihnen zu zeigen: Das hier ist wichtig. Es ist interessant. Es ist relevant. Es geht uns alle an. Die Kinder, die der Musik des Rattenfängers aus der Stadt folgen, sind die Menschen, die den Musikjournalisten aus der reinen Musik-Konsumentenhaltung heraus in ein Nachdenken über Musik folgen – oder so ähnlich.

Das war ein Bild, das mich nachdenklich gemacht hat. Es ist ambitioniert und ganz treffend – ein bisschen hinkt es, wie jeder gut gemeinte Vergleich –, aber es transportierte für mich zunächst eine Wertung, die mir nicht so gut gefiel: Es implizierte für mich das Urteil, Musik „unbedacht“ und ohne höhere Ambitionen zu „konsumieren“, sei nur die halbe Wahrheit und weniger wert als eine die Aufführung, den Apparat, das „Werk“ stets hinterfragende Haltung.

Und dass genau das unsere ganze Gruppe spaltete, zeigte sich in der Diskussion danach: Darf sich „Frau Meier von nebenan“ bei einem Beethoven-Konzert entspannen? Oder sollte sie, falls sie das vorhat, nicht lieber gleich zu Hause bleiben? Welche Haltung verlangt die Musik von ihren Hörern? Verlangt sie überhaupt eine Haltung, kann sie das überhaupt? Ist „klassische“ Musik etwas, das an mich Erwartungen stellt, denen ich gerecht werden muss, indem ich in der Pause schlaue Gespräche über die Intonation der ersten Geigen, das etwas zu spätromantische Dirigat oder den musikalischen Ausdruck des ersten Klarinettisten führe? Meine Meinung: Nein.

Versuch 2: Ansprüchen gerecht werden

„Klassische“ Musik oder auch jede andere Musik an sich stellt an ihre Hörer keine Ansprüche. Die Musik hat keinen Zeigefinger und keine herausfordernd hochgezogenen Augenbrauen, die meinen: „Bilde dich, dann bist du es wert, mich zu genießen!“ Auch nicht, wenn der Komponist es genau so gesagt haben sollte. Denn die Musik ist, sie wird, und sie geht zu Ende mit dem ausklingenden Applaus.

Ich selbst bin es jedoch, die anhand dieser Musik Ansprüche an mich stellt, denn die Musik und ihre Aufführung lösen etwas in mir aus, etwas, das ganz, ganz subjektiv ist und ganz, ganz subjektiv mit meinen persönlichen Erwartungen und Erfahrungen, meinem Wissen (meinetwegen analytischer Art und davon, was wir glauben über die „Intention“ des Komponisten zu wissen), meinem Charakter, meiner Denkart und meinen ästhetischen Vorstellungen zu hat. Jedes Reflektieren über ein Konzerterlebnis ist so immer auch ein Reflektieren über mich selbst und über meinen Blick auf die Welt und auf die Kunst.

Was spannend ist: Es passiert manchmal, dass Menschen im Konzert die gleichen Erfahrungen machen, mit ähnlichen Empfindungen den Saal verlassen und mit ähnlichen Worten darüber sprechen möchten. Das liegt nicht nur an der Musik, sondern auch daran, dass viele Menschen, die hier leben, sehr ähnlich sozialisiert sind. Solche Erfahrungen verbinden. Sie machen, dass wir uns als Teil einer Gemeinschaft fühlen, und betont sei hier der Wortteil gemein – denn sich in oder über etwas gemein sein kann sich erstrecken auf ganz viele Faktoren.

Versuch 3: Gemeinschaft des Nachdenkens über Musik

Was wir als Musikjournalisten oder der Mensch in der Sage als „Rattenfänger“ also am Ende tun, ist, eine Gemeinschaft des Nachdenkens über Musik zu schaffen. Um zu meiner befürchteten implizierten Kritik an Nicht-„Mitläufern“ dieser Gemeinschaft zurück zu kommen: Das bedeutet nicht, dass „Frau Meier von nebenan“ nicht Beethoven zur Entspannung hören kann und auch ausdrücklich darf. Beethovens Musik verliert dadurch nicht an Wert, ganz im Gegenteil: Sie beweist ihren Wert auf einer zusätzlichen Ebene, und das macht sie reicher.

Am Ende wird gerade „klassische“ Musik dadurch zu einer für mich so besonderen Musik: Weil sie sich dem Hörer von einer völlig neuen Seite präsentieren kann, wenn dieser anfängt, anders über sie nachzudenken. Es stecken nicht nur temporäres Ideengut und momentane Kreativität des Komponisten in der Musik, sondern gleichzeitig die durch unfassbar viele Faktoren beeinflusste Interpretation des oder der Musiker, dazu Intention, Handwerk und der Umgang mit Traditionen.

Es fließen in jeder Bach-, Beethoven-, Mahler-, Andriessen- und Nono-Aufführung Jahrhunderte von Kulturgeschichte und Menschheitsgeschichte ineinander, da steckt die Entwicklung von Ästhetik drin, von Hörgewohnheit und Sozialisation, darin stecken Persönlichkeit, viele, viele Gedanken und lange gelernte Fertigkeiten, da steckt Gesellschaft drin, Zeitgeschichte und Politik. Einen direkteren Draht zu unserer Entwicklung als Menschen, zu allem Gewesenen und allem, zu dem wir noch fähig sind, gibt es kaum. Und das geht uns alle an, jeden Einzelnen im Konzertsaal, der sich in diesem Moment befindet inmitten strömender und pulsierender Geschichte, die mit jeder Note und jeder Reaktion darauf reißend weitergetrieben wird. Und wir machen, dass die Welt davon erfährt.

Fazit: Teil der Kulturgeschichte

Ein bisschen sind wir also Chronisten im Dienste derer, die uns die immer wieder aufs Neue zu Musik werdenden Partituren hinterlassen haben, ein bisschen sind wir das kollektive Gehirn derer, die dabei waren und darüber nachdenken, und ein bisschen sind wir Galeristen, die den Künstlern durch Einordnung und Kommentierung neue Blicke auf das ermöglichen, was sie mitteilen wollten und mitgeteilt haben.

Wir verbinden alles zu einer Einheit und machen es zu einem möglichst greifbaren Element der Kulturgeschichte. Da sind auch der Vermerk auf ein für uns unbefriedigendes Konzert oder eine zu schmalzige CD-Aufnahme wichtig, genau wie die Darstellung des Lebens und der Ansichten des Solisten oder des zweiten Geigers, des Dirigenten oder Festspieldirektors, genau wie Werkbetrachtungen und Rezeptionsgeschichte, zu der wir unseren Teil beitragen,  indem wir die Welt an unseren Gedanken teilhaben lassen.

Und indem wir uns immer und immer wieder die Frage stellen, warum unsere Arbeit wichtig ist – und zuallererst warum sie uns wichtig ist.

 

 

Willkommen in der Gedankenfabrik!

Ab Mai 2016 werden auch die Teilnehmer der Akademie Musikjournalismus des Musikfestivals Heidelberger Frühling für niusic.de schreiben und filmen. In diesem Blog werden sie parallel dazu berichten, welche Erfahrungen sie dabei als Nachwuchs-Journalisten machen. Ob kuriose Geschichten zu Interviews und Recherchen, ob Überlegungen zu Lust und Last des Schreibens oder Gedanken und Ideen zu neuen Formen des Miteinanders von Musik, Sprache und Bildern: Dieser Blog gibt Einblicke in die Gedankenfabrik des modernen Musikjournalismus.